Há uma sala em Figures of Speech (Figuras de Linguagem, em tradução livre), a exposição Virgil Abloh no Museu de Arte Contemporânea de Chicago, que demonstra vividamente como seus princípios estéticos, alcance emocional e ambições comerciais convivem aconchegados. Em uma das paredes está o tríptico de Inez & Vinoodh de uma criança negra brincando com produtos da Louis Vuitton, da primeira campanha publicitária de Abloh como diretor artístico de design de moda masculina da Louis Vuitton. A mais impressionante é a imagem do meio, na qual uma garota veste um suéter psicodélico colorido com o tema Mágico de Oz – na verdade, está envolta nele – com pequenos e frágeis barquinhos de papel de origami espalhados a seus pés. Seu braço esquerdo está estendido e ela olhando para longe – é beatífico.
Mas passe para o outro lado da sala e veja essas fotografias novamente. No solo à sua frente, haverá uma espécie de escultura, uma série de 16 marcadores amarelos numerados, o tipo usado para indicar a localização das evidências de uma cena de crime. (O que não está em nenhum cartão de informações é que 16 é o número de tiros que um policial de Chicago disparou contra Laquan McDonald em 2014, matando-o.) No chão, há tragédia. Na parede, há esperança.
Também foi impressionante o número de pessoas que passaram por perto do fantasma no chão – mal percebendo, se é que fizeram, enquanto tiravam fotos de um anúncio. Essa retrospectiva de meio de carreira de Abloh faz parte de justaposições imprevistas – visuais, sociopolíticas e até estruturais. Como artista, ele é um conceitualista de suave toque, seu trabalho uma série de pequenas desmontagens e remontagens. Abloh treinou como arquiteto e foi o braço direito de Kanye West por vários anos antes de se desenvolver em ramificações e se tornar um designer de moda da Louis Vuitton e sua própria linha, Off-White; um DJ; um imaginador visual para outros clientes; e um colaborador da Nike, Ikea, Cruz Vermelha e outros.
Ele é o porta-estandarte da globalização em velocidade da Internet do alto estilo pós-hip-hop, sugerindo que o abismo entre levar um marcador aos seus sapatos e terminar como designer-chefe em uma icônica casa de moda pode não ser tão imenso quanto já pareceu ser antes. O fato de ele ter conseguido tanto, tão rapidamente, é sua própria provocação, uma amplificada por Figures of Speech. É sua primeira exposição em museu e, fundamentalmente, pergunta como um museu – na prática, uma instituição estática – pode capturar e transmitir o trabalho de alguém que se move rapidamente, tem resultados prodigiosos e não está tão preocupado com o que fez ontem como no que poderá fazer amanhã.
Hip-hop, streetwear, skate e grafite são todas práticas artísticas nascidas da resistência e, quando Abloh as encontrou, já estavam encontrando seu caminho nas instituições. Mais do que qualquer um de seus colegas de geração, ele aplicou seus impulsos perturbadores em novos contextos. Sua arte é sobre superar o capitalismo – de dentro. Ele tem uma ética que é a de apenas realizar; a essência de seu trabalho é tanto o processo quanto o produto. Em uma palestra de 2017 na Harvard Graduate School of Design – publicada como um livro, Insert Complicated Title Here (Insira o Ttulo Complicado Aqui, em tradução livre) – ele se concentrou em “atalhos”, sobre como alterar uma coisa já existente em apenas 3% é em geral suficiente. “Tenho certeza de que você está tentando se desafiar a inventar algo novo, tentando ser vanguarda”, disse ele aos estudantes. “Basicamente, isso é impossível.”
Para Abloh, não há prática artística fora do modo de consumo. Você sente que, para ele, o tênis na loja (que custa dinheiro) e a foto do tênis na loja que está no Instagram (que custa seu tempo) servem efetivamente ao mesmo objetivo. Essa mesma informalidade está presente em Figures of Speech, com curadoria de Michael Darling, que dá igual peso e espaço ao trabalho mais significativo de Abloh e aos seus projetos mais descontraídos. Talvez o mais surpreendente seja o espaço dedicado ao seu trabalho de assinatura – seu design de moda para Louis Vuitton e Off-White, seus protótipos de tênis para a Nike – que é bastante pequeno.
Existe um tipo de exposição eficaz para trabalhos como esse, algo mais focado no processo que mostra a inspiração e a inovação lado a lado – uma exibição de ferramentas, técnicas e artimanhas.
Em alguns lugares, aqui, isso acontece – mencionando Calder no texto na parede ao lado de uma escultura semelhante a um móbile feita de espuma de isolamento rosa ou apontando o Caravaggio que foi referenciado em sua primeira linha de roupas, Pyrex Vision. Mas alguns estão obscurecidos: a versão grande da caixa de CD Abloh, projetado para o álbum Yeezus de Kanye West, não menciona Peter Saville, um mentor de Abloh, que fez algo semelhante para o New Order.
Empréstimos estão no DNA de Abloh, e um dos prazeres improváveis desta exposição é a maneira como ele absorve livremente o trabalho de outras pessoas. Uma parede é completamente colada com pôsteres do rapper de Chicago Chief Keef vestindo uma camiseta Supreme, fotografada por Ari Marcopoulos – tudo se apega à parede como uma proeza orgulhosa, um dos vários lugares para os quais Abloh importa um contexto vernacular no cenário do museu. Da mesma forma, existem trabalhos feitos de concreto moldado para se assemelhar a bancos ao ar livre que seriam um maná para praticantes de skate.
Abloh também aplica esse modo de direção criativa às próprias emoções. Em um caso, ele exibe algumas de suas joias em ouro e platina em clipes de papel (do famoso joalheiro Jacob Arabo), versões reais de peças que ele uma vez modelou com reais clipes de papel, um aceno de aspiração às cadeias de rappers de luxo.
Do outro lado da galeria, a partir dessas peças, está um dos arranjos mais convincentes da série. À esquerda, a instalação de DJ de Abloh – alto-falantes de madeira austeros e bonitos (de Devon Turnbull), toca-discos cintilantes (de Pioneer DJ) - apresentados como em um santuário. E pendurada na parede à direita, há uma carta das Nações Unidas determinando que ele, Abloh, deixe de usar o logotipo da instituição em panfletos para shows de DJ. Aí está – reverência e desrespeito, juntos, e um lembrete de que a bobagem muitas vezes pode ser um subproduto da reverência.
Quando Abloh é brincalhão, ele pode ser divertido – há alegria para valer na galeria que inclui uma pilha de suas colaborações da Ikea, que parecem ter sido montadas por meio de tornados. Quando ele trabalha no setor de bens de consumo, entende como diferenciar o suficiente da norma para alimentar a paixão. Mas as peças aqui que mais se aproximam das disciplinas artísticas tradicionais são as menos inspiradoras.
Mais de uma dúzia são marcadas como tendo sido feitas em 2019 e pertencendo a uma coleção particular. Na maior parte, são usadas para encher salas: outdoors em grande escala, um letreiro Sunoco todo preto afundando no chão e assim por diante. Juntos, eles traem uma ansiedade sobre qual o tipo de trabalho que pode pertencer a uma exposição de museu. Eles devoram bastante espaço, mas não comunicam muita informação.
Aproveitando seu relacionamento com marcas estabelecidas, ele estabeleceu locais de satélite de fato para o show. Na instalação do NikeLab ao lado da loja da Nike na Michigan Avenue, a poucos quarteirões do museu, havia um oceano de pedaços de tênis rasgados nas janelas e paredes. Lá dentro, você pode montar projetos de bricolage com marcadores, carimbos de borracha e vários enfeites – eu preenchi um esboço de livro de colorir de uma Air Jordan Spiz’ike em tons de rosa, verde e marrom e embalei duas mantas de chenille rosa.
A Louis Vuitton abriu uma locação pop-up com tema laranja no bairro de West Loop, carregando itens selecionados da coleção FW19. (Nova York teve um tema verde semelhante algumas semanas depois.) O espaço estava cheio de manequins em tamanho natural (e maiores) que eram surpreendentemente emocionais e não estariam fora de lugar no museu.
Mas provavelmente a maior provocação – o momento artístico mais inefável – tenha ocorrido na principal loja Louis Vuitton na Michigan Avenue, que carregava várias peças de roupas desenhadas pela Abloh estampadas com referências ao discurso de Martin Luther King Jr. “Eu tenho um sonho”. Uma jaqueta do time do colégio tinha um remendo bordado à mão nas costas em forma de África. Nesse templo da alta moda, havia roupas que gritavam suas intenções radicais, localizando a história negra no centro da conversa estética. Era comovente e destemida – uma pitada de conceitualismo capitalista escondida à vista de todos. / TRADUÇÃO DE CLAUDIA BOZZO
Os comentários são exclusivos para assinantes do Estadão.
